La tendencia del siguiente año se orienta al pasado para su renovación, hallando en el Siglo de Oro español una fuente de inspiración sorprendente. Lo que inicialmente parece un mero guiño histórico se transforma en una conversación profunda entre épocas, impulsada por creadores que reinterpretan componentes del siglo XVII para otorgarles una estética actual. La pasarela, a su modo, rescata la solemnidad de los retratos de la corte y la convierte en diseños dinámicos, audaces y con mucha personalidad.
Aunque las metrópolis de la moda a nivel mundial dictan las pautas anualmente, en esta ocasión el foco simbólico parece trasladarse a la capital española. No es que la urbe encabece la industria de forma directa, sino que sus resonancias culturales, particularmente las asociadas a personalidades como Diego Velázquez y las damas de la corte de Felipe IV, resurgen en vestimentas, formas y elementos que definirán la colección primavera-verano 2026. Los creadores no pretenden replicar la estética barroca, sino reinterpretarla con una perspectiva conceptual: armazones firmes convertidos en volúmenes impactantes, cuellos imponentes transformados en capas esculturales y mangas decorativas simplificadas a trazos que insinúan dinamismo.
Este enfoque estético no busca replicar el pasado, sino ofrecer una visión renovada que conecta diferentes periodos. Aunque se inspira en figuras emblemáticas como las Meninas o las representaciones a caballo de Isabel de Borbón, lo que se presenta en las colecciones de moda posee una identidad única que interactúa con los volúmenes, las dimensiones y la teatralidad que caracterizaron la indumentaria de la corte del siglo XVII.
Las nuevas formas de los cuellos estructurados
Uno de los elementos más llamativos de este renacimiento histórico es el cuello. Las cortes españolas del XVI y XVII elevaron esta parte del atuendo a una declaración de estatus, y esa teatralidad regresa con un lenguaje completamente renovado. Aquellas lechuguillas rígidas y elaboradas que lucieron figuras como la infanta María, hermana de Felipe IV, reaparecen en colecciones donde se convierten en estructuras flexibles, capas esponjosas o bordes ondulados que rodean el rostro.
Firmas de moda como Edeline Lee, Dior y Schiaparelli están revitalizando la importancia del cuello, empleando materiales novedosos. La visión de Edeline Lee es particularmente notable: reinventa la clásica gorguera, convirtiéndola en un elemento de gran volumen que emerge desde los hombros, cubriendo la zona superior del tronco con un impacto visual considerable. Por su parte, Dior, bajo la dirección creativa de Jonathan Anderson, opta por encajes de blonda actualizados, presentados en diseños que velan discretamente una porción del rostro. Schiaparelli, en cambio, introduce texturas firmes que evocan los tejidos almidonados de épocas pasadas, pero con un enfoque decididamente contemporáneo.
Este tipo de estilismo aporta una sensación de solemnidad controlada, casi ritual, que no pretende replicar los códigos del s. XVII, sino sugerirlos. Los diseñadores utilizan estos collares escultóricos como puntos focales que dan carácter a vestidos, chaquetas y tops, generando un impacto visual que enlaza directamente con la herencia cultural española sin caer en el literalismo.
En cualquier situación, el cuello trasciende su papel de mero accesorio para erigirse como un elemento fundamental de la vestimenta. Esta particularidad es justamente la que enlaza la indumentaria contemporánea con la herencia de la corte: una concepción estética donde la zona superior del tronco ostentaba una relevancia primordial y determinaba la posición social de su portador.
Perfiles imponentes: desde el verdugado hasta el guardainfantes
Si hay un elemento característico de la moda del Siglo de Oro, es la manera en que las mujeres de la corte modulaban su figura mediante estructuras internas. En 2026, esa fascinación por el volumen regresa, pero lo hace con un giro contemporáneo que evita los excesos y prioriza la expresividad.
Firmas como Carolina Herrera retomaron esta estética con especial fuerza en su desfile realizado en Madrid, donde Wes Gordon presentó una colección inspirada tanto en la cultura madrileña moderna como en la indumentaria del XVII. En lugar de reproducir literalmente los vestidos rígidos del periodo, reinterpretó la majestuosidad de aquellas faldas voluminosas que definieron la silueta de la época, evocando los retratos de mujeres como Margarita de Austria, pintada por Juan Pantoja de la Cruz con bordados dorados y una presencia imponente.
Sin embargo, lo que se impone en la pasarela para 2026 es la silueta asociada al guardainfantes: una estructura que añadía volumen a los costados de la cadera, creando una forma ovalada y amplia. Este diseño se hizo muy popular en la década de 1630 y se asoció de manera particular con figuras como Mariana de Austria, a quien Velázquez retrató en repetidas ocasiones con este característico armazón.
Diseñadores como Simone Rocha, Giambattista Valli y Alaïa incorporan esta influencia mediante faldas laterales exageradas, estructuras acolchadas o tejidos que se expanden hacia los costados con un volumen controlado. No se trata de copiar la forma rígida del guardainfantes, sino de capturar su esencia: la idea de presencia, autoridad y dramatismo.
Históricamente, estas estructuras también tenían lecturas políticas. Isabel de Borbón, nacida en Francia, tardó en adoptarlas debido a tensiones diplomáticas entre la corona española y su familia de origen. Sin embargo, una vez que comenzó a emplearlas, las transformó en un símbolo de poder durante los periodos en que tuvo que asumir responsabilidades de gobierno mientras Felipe IV estaba en campaña militar. Los vestidos completamente negros, con adornos de estilo marcial y amplios guardainfantes, funcionaron como una forma temprana de “power dressing”, similar al simbolismo que adquirirían las hombreras en figuras contemporáneas como Margaret Thatcher.
Esa esencia de liderazgo femenino, manifestada en siluetas elocuentes, parece tener una gran resonancia en la indumentaria contemporánea: una afirmación del territorio personal a través del diseño.
La transformación de mangas, hombreras y faldones
El auge del Siglo de Oro no se limita a cuellos y faldas: buena parte de la estética de 2026 también retoma elementos de las mangas complejas, los brahones y las faldillas, reinterpretándolos desde una perspectiva moderna.
Las mangas del XVII eran verdaderas piezas arquitectónicas y, en muchos casos, más ornamentales que funcionales. Isabel de Borbón, por ejemplo, las lució con formas puntiagudas o redondeadas en varios de los retratos atribuidos a Velázquez. Hoy, diseñadores como Stella McCartney, Sacai y Coperni reinterpretan este concepto mediante mangas abiertas que permiten ver parte del brazo, o mediante superposiciones que juegan con la forma sin caer en el barroquismo extremo.
En lo que respecta a los brahones —esas hombreras rígidas que podían proyectarse desde los hombros— la tendencia actual los reintroduce de forma discreta. Moschino los reinterpreta a través de blusas con volantes generosos que crean una impresión de ensanchamiento lateral; Max Mara y Kolor los incorporan en gabardinas y chaquetas con volúmenes moderados o pliegues estratégicos, conservando la noción de amplitud sin transformarlos en elementos dramáticos.
Las faldillas regresan con fuerza. Aquellas diminutas estructuras que realzaban la cintura y las caderas en el siglo XVII se manifiestan de nuevo en blusas actuales que evocan el peplum, una tendencia reciente en las pasarelas. Creaciones de diseñadores como Marques’ Almeida o Dries Van Noten reinterpretan esta silueta utilizando tejidos firmes, pliegues o construcciones en paneles que rememoran las vestimentas de inspiración militar que lucían figuras como Isabel de Borbón en algunos retratos de la década de 1640.
La trayectoria histórica de este componente, según detalla la historiadora Amanda Wunder, revela cómo las faldillas modificaron su dimensión, silueta y significado durante el reinado de Felipe IV. Su retorno en 2026 no es fortuito: se alinea con una corriente mundial que busca redefinir la cintura como centro de atención, aportando un matiz de organización que fusiona delicadeza con distinción.
La cuera: un retorno entre lo clásico y lo moderno
La cuera, una pieza de indumentaria femenina de corte aristocrático, resurge con ímpetu en la temporada 2026. Se distingue por su diseño que culmina en punta a la altura de la cintura, complementándose con faldillas y mangas que caen libremente. Isabel de Borbón se destacó por lucirla asiduamente en sus representaciones pictóricas y eventos de carácter público.
Diseñadores actuales como A.W.A.K.E Mode y Andreas Konthraler para Vivienne Westwood reinterpretan esta idea desde una perspectiva innovadora: sus corsés y vestidos presentan una construcción que estiliza la figura, creando una forma triangular que recuerda, sin imitar, el estilo del siglo XVII. No se ven como copias históricas, sino como piezas sofisticadas que fusionan la confección contemporánea con la distinción clásica de épocas anteriores.
En estas creaciones se observa con nitidez de qué manera la tendencia contemporánea emplea el pasado como una fuente inagotable de inspiración. Cada creador selecciona un elemento, una silueta o una noción del siglo XVII, lo somete al tamiz de su estilo personal y lo convierte en prendas que satisfacen las preferencias, demandas y percepciones del siglo XXI.
Un punto de encuentro entre la creación artística, el pasado y la manifestación actual
La influencia del Siglo de Oro en las tendencias de moda para la temporada primavera-verano 2026 no surge de un anhelo por el pasado. Más bien, se origina en una profunda atracción por la silueta y la imagen que caracterizaron a la realeza española, así como por la habilidad de la vestimenta para proyectar posición social, autoridad o delicadeza. La indumentaria contemporánea incorpora detalles de cuellos, volúmenes y armazones, transformándolos en emblemas actuales de distinción, sofisticación y dominio.
Este vínculo entre los retratos de Velázquez, las decisiones políticas de Isabel de Borbón o Mariana de Austria, y las propuestas de diseñadores contemporáneos revela algo más que una tendencia pasajera: muestra cómo los códigos del pasado pueden adquirir un nuevo significado cuando se integran en un contexto global donde la moda se entiende como narrativa, como expresión y como arte.
La primavera-verano 2026, en definitiva, será una temporada donde la historia se convierte en un catalizador creativo. Y si algo demuestra esta corriente, es que los vestigios del Siglo de Oro continúan vivos, transformándose para adaptarse a una época que sigue encontrando belleza en la monumentalidad, el detalle y la capacidad de una prenda para contar una historia.
